Arte contemporáneo

Bertrand Westphal es considerado como el fundador de la Geocrítica, una de las principales metodologías para el estudio de las representaciones del espacio literario y artístico, ya que explora las interacciones entre los espacios humanos y la literatura; al mismo tiempo, que su repercusión en la configuración de las identidades culturales. Actualmente, es catedrático de Literatura Comparada en la Université de Limoges, Francia. De 2013 a 2015 fue profesor invitado
en la University of North Carolina en Charlotte. Entre sus diversos ensayos destacan Atlas des égarements. Etudes géocritiques (2019), La cage des méridiens (2016) (Premio Paris-Liège al mejor ensayo francófono, 2017), Le Monde plausible. Espace, lieu, carte (2011), La Géocritique. Réel, fiction, espace (2007), y L’œil de la Méditerranée. Une odyssée littéraire (2005).

Consigli di un artista per gli artisti: come diventare un curatore d'arte contemporanea-PT.2 Un altro elemento importante per diventare curatori di arte oggi è lo studio delle lingue. Naturalmente, io per la verità ritengo questo punto (lo studio delle lingue) ormai pressoché importante per qualsiasi altro lavoro, o per qualsiasi lavoro che sia comunque di livello più avanzato, ecc. Lo studio delle lingue è fondamentale, e per un curatore secondo il mio parere è assolutamente fondamentale. Quindi, come sempre, nella successione delle necessità, la priorità per quanto riguarda le lingue da imparare è certamente, come sempre, come al solito, l'inglese. Lo dico perché, ad esempio in Italia…ma sono sicuro anche in tantissimi altri Paesi, per la verità, perché la storiella secondo la quale tutti all'estero sappiano l'inglese purtroppo non è così perché l'ho già provato. Però, ecco, tendenzialmente i diversi sistemi dell'arte contemporanea dei diversi Paesi, in tutti questi sistemi, in tutti questi ambienti relativi all'arte contemporanea dei diversi Paesi, solitamente si parla inglese perché, tendenzialmente, il sistema dell'arte contemporanea è una sorta di gigantesco sistema internazionale. Come ho anche detto in altre dirette precedenti rivolgendomi più che altro agli artisti, è un'attività da impostare sempre a livello internazionale, quindi l'inglese è una sorta di codice ormai per tutti noi, per capirci da un Paese all'altro. Quindi, lo studio delle lingue è fondamentale per i curatori, naturalmente innanzitutto l'inglese. Poi, è chiaro che non fa mai male a un curatore, assolutamente servirebbe, sarebbe utile, anche aggiungere qualche altra lingua. Magari anche in base a quali possono essere gli interessi dell'artista in questione. Tanto per fare un esempio, perché conosco alcune persone che fanno questo, ci sono delle curatrici in particolare, italiane, che sono specializzate e lavorano soprattutto nell'ambito del surrealismo e neo-surrealismo dei Paesi latino-americani. Quindi, praticamente, ad esempio, queste persone che conosco conoscono anche lo spagnolo. Appunto, dipende anche dal ramo che vai a scegliere come curatore. Dunque, quindi, il punto fondamentale, per sintetizzare, è che una cosa importante per chi volesse diventare curatore è quello dell'imparare alcune lingue, innanzitutto e prima di tutto l'inglese. Poi, un'altra cosa importante, e con questo concludiamo, è l'ultimo punto-questa diretta la stiamo facendo un pochettino più rapida-l'ultimo punto importante per chi volesse diventare curatore è quello di capire la necessità di studiare continuamente e di interessarsi continuamente agli artisti. E, diciamo, volendo anche dar vita a una chiosa, quello anche di rendersi disponibili agli artisti. È, appunto, fondamentale anche per il curatore l'attività propriamente intellettuale. Perché dico ciò? Anche ad alti livelli, ma soprattutto devo dire per quanto riguarda giovani e pseudo tali, molti curatori sembrano tendere a non dare abbastanza spazio nelle proprie attività all'attività propriamente di ricerca culturale sull'arte, sugli artisti. E, diciamo, soprattutto, più che approfondire si tende a informarsi. Questo, naturalmente, è in realtà una caratteristica del nostro tempo, cioè il nostro tempo è praticamente un tempo senza cultura ma con un continuo bombardamento di informazioni. E, praticamente, da questa unione ne deriva, appunto, la bassezza dei nostri tempi, perché lo diceva anche il buon Umberto Eco: la cultura serve oggi a sistemare le informazioni, perché tra informazioni sbagliate, informazioni tendenziose, propaganda e informazioni, invece, semplicemente banali, o comunque di basso livello, è necessario avere un bagaglio culturale per mettere assieme tutte queste informazioni. Ho voluto dilungarmi un po' su questo. Ritornando a quella che è la focalizzazione principale di questa diretta, il curatore, soprattutto giovane, forse non dovrebbe limitarsi solo a raccogliere informazioni, soprattutto su quelli che sono gli artisti mainstream, oppure cose di questo genere, ma andare ad approfondire certi fenomeni che magari lo interessano di più. Quindi fare una selezione, chiaramente, e anche fare da curatore militante, da critico militante, non interessarsi solo magari ad artisti storicizzati. Anzi, io direi a interessarsi, quando si è giovani, un po' meno ad artisti storicizzati, o comunque all'apice della carriera, con i quali è sostanzialmente impossibile che si possa collaborare nel breve termine e, invece, interessarsi o essere disponibili con artisti che appartengano più o meno al tuo range di età, o range soprattutto di curriculum, di percorso professionale. Dunque, questo era l'ultimo punto che volevo trattare. Oggi siamo andati su un tema, appunto, non propriamente per artisti rampanti o ruspanti, ma siamo andati su un tema teoricamente rivolto di più a coloro che volessero fare i curatori. Però, come ho detto all'inizio di questa diretta, questo tema è importante anche per gli artisti, perché-questo invece è un consiglio per gli artisti-gli artisti devono, se vogliono pensare di avere alcune possibilità di successo nel sistema dell'arte contemporanea, devono conoscere meglio possibile come si svolge il lavoro delle gallerie, quindi dei galleristi, come si svolge il lavoro dei curatori, come si svolge…anche conoscere un po' i profili dei collezionisti, diciamo così. Quindi, diciamo che questo video, secondo me, può essere molto interessante anche per i giovani artisti.

Consigli di un artista per gli artisti: come diventare un curatore d'arte contemporanea-PT.1 Il tema di questa diretta è: come diventare un curatore d'arte contemporanea. Innanzitutto, il primo punto da trattare è sicuramente delineare a grandi linee cosa fa il curatore di arte contemporanea. Sostanzialmente, il curatore, idealmente (ma per fortuna a volte anche nella realtà concreta) ha la funzione di incanalare l'artista, le mostre, ma in questo senso anche le attività di una galleria, verso quelle che sono, ad esempio, le tendenze che di volta in volta lui reputa più interessanti, inoltre dare una lettura di questi eventi stessi d'arte, per così dire, nel senso che, da questo punto di vista, il mestiere del curatore d'arte è simile ma, per meglio dire, si sovrappone a quello del critico d'arte, cioè appunto quello di dare una lettura degli eventi relativi all'arte contemporanea nel loro farsi. Quindi, in questo senso, il curatore fa anche da cosiddetto "critico militante". Quindi, il curatore d'arte, in poche parole, inquadra i nuovi fenomeni dell'arte, i fenomeni dell'arte che via via si presentano su quello che è il palcoscenico della realtà e cerca, appunto, di incanalarne l'azione, naturalmente scegliendo (in questo senso è militante) di promuovere maggiormente alcuni artisti, o un certo tipo di arte, oppure artisti di un certo Paese. Facciamo degli esempi rapidissimi, a grandi linee. Ci sono dei curatori che si interessano soprattutto, ad esempio, di arte pop, anche contemporanea, tutto quel mondo cosiddetto "neo-pop"; ci sono dei curatori che si interessano soprattutto agli artisti di alcune aree geografiche; oppure chi si interessa, magari per quanto riguarda la pittura, a una pittura informale, astratta, non figurativa; c'è invece chi, per ragioni culturali, si interessa invece di un altro tipo di pittura, una pittura figurativa, a volte anche tradizionale, ecc. Quindi, il curatore d'arte serve, appunto, a fare anche da termometro di quelle che sono le tendenze dell'arte contemporanea, le promuove, ne promuove alcune. La sua figura si sovrappone anche a quella, talvolta, soprattutto in Italia, del critico d'arte. E quindi questo è ciò che fa il curatore, è una figura importante nel sistema dell'arte contemporanea. Andando al secondo punto da trattare, per fare il curatore d'arte, per iniziare a rispondere alla domanda che dà il titolo a questa diretta (cioè come fare il curatore d'arte), sorge spontanea la domanda se è necessario o meno frequentare una scuola specifica, o comunque frequentare un'università, o un tipo di accademia specifico per curatori. Insomma, la domanda alla quale è necessaria rispondere è: qual è il tipo di formazione di cui uno dovrebbe avvalersi. Dunque, innanzitutto, per la verità, non è detto che, essendo il curatore un lavoro non normalissimo, non estremamente tradizionale, in realtà non c'è un percorso di studi definito. Addirittura, talvolta (ma non è quello che consiglio io), ci sono alcuni curatori che quasi non hanno un vero e proprio, o comunque un completissimo percorso di studi. Comunque, in linea generale, è meglio, e comunque la stragrande maggioranza dei curatori nel mondo hanno invece un certo percorso di studi, a volte anche un percorso di studi molto corposo. In linea generica, ad esempio, andando alla pratica, cosa si potrebbe consigliare a un giovane che volesse pensare ad un proprio futuro come curatore d'arte. Un buon consiglio potrebbe essere quello, appunto, di fare questa macro-scelta, cioè tra università e accademia. In realtà, anche lì una cosa non è così nettamente migliore dell'altra, una scelta non è così nettamente migliore dell'altra. Diciamo che, ad esempio, una buona idea potrebbe essere completare un percorso di studi di tipo universitario, all'università tradizionale, possibilmente in corsi quali Storia dell'Arte, o…io, ad esempio, sono laureato e specializzato in Storia dell'Arte, ma faccio l'artista, non c'entra nulla, diciamo. Però, ad esempio, conosco dei curatori che sono laureati in Storia dell'Arte all'università, ed è un'ottima cosa. Un'altra cosa potrebbe essere anche una laurea in filosofia e poi, magari, con una specializzazione in estetica, o in filosofia dell'arte, perché, soprattutto in Italia, ci sono molte facoltà che giocano su questa differenza di termini che, appunto, poi si riferisce alla medesima disciplina. Inoltre, potrebbe essere anche una buona scelta tutto quel ramo che c'è oggi all'università, che va sotto il nome generico di Beni Culturali. Poi, invece, l'altra scelta potrebbe essere quella dell'Accademia di Belle Arti. In particolare, sul discorso dell'Accademia, secondo me, dipende moltissimo proprio dalla scuola, cioè proprio da quale Accademia scegli, più che dal corso di studi. Nelle accademie ci sono dei corsi di studi specifici per curatori, che hanno nomi vari, che vanno da Curatorial Studies (anche in Italia, perché, è chiaro, in Italia non è più possibile impiegare l'italiano, quindi solitamente si chiamano così, Curatorial Studies, questi corsi), oppure Curating, in qualche caso ci sono questi nomi tipo Management per l'Arte anche. Mi pare che forse proprio all'Accademia di Brera si chiamasse così, per qualche anno, l'indirizzo per i curatori.

De lo que no es posible hablar, ¿es mejor callar? Ante el desfallecimiento del logos, ¿queda el ser hablante desvalido? No es la opción de los artistas que, con su producción, permiten ir más allá del logos. El psicoanálisis también, al menos en la vertiente abierta por Jacques Lacan.
Texto surgido de la Semana de la École lacanienne de psychanalyse, "Desprenderse de la psicopatología", realizada en Ciudad de México, en 2006.

Un altro mestiere fondamentale legato al mondo dell'arte è quello del critico, il critico d'arte. Diciamo che il critico si distingue dallo storico dell'arte. Quindi già introduco un altro mestiere importante per il sistema dell'arte, che è quello dello storico dell'arte. Ecco, il critico dell'arte si distingue dallo storico dell'arte per il tempismo. Mi spiego meglio. Il critico d'arte, sostanzialmente, è quello che una volta si chiamava "critico militante", cioè colui il quale è nell'evento, partecipa nell'evento che si svolge nel suo tempo, in quel momento. Il critico dovrebbe-qui ora cominciano a sprecarsi i condizionali-dovrebbe seguire gli eventi dell'arte che si svolgono attorno a lui, dovrebbe quindi seguire gli artisti, visitare i loro studi. Una volta tendevano addirittura a collaborare con gli artisti, anche dal punto di vista teorico, e questa era una sorta di retaggio che ci proveniva dai cosiddetti movimenti d'avanguardia, in cui c'erano delle figure teoriche e, invece, delle figure propriamente più creative. Il critico d'arte militante è quello che scrive per una mostra che si sta per svolgere, si sta svolgendo in quello stesso periodo, in quello stesso momento, è uno che riesce a stare sul pezzo, che vive del momento dell'arte stessa nel suo farsi, al momento del suo farsi. Quindi si chiama militante anche perché, in qualche modo, spesso nella scelta di cosa scrivere talvolta finisce per "militare", diciamo così, per prendere le parti di certi movimenti artistici, o di certe gallerie, o di certi artisti stessi. Lo storico dell'arte invece arriva dopo l'evento. Non è nell'evento, arriva dopo l'evento. In che senso? Nel senso che lo storico dell'arte analizza eventi sostanzialmente passati, o comunque che hanno concluso la propria carica, quindi arriva appunto dopo l'evento. Il compito fondamentale dello storico dell'arte è, sostanzialmente, quello di analizzare e contestualizzare opere, artisti, movimenti artistici, ecc., inserire questi elementi in un contesto storico, nel contesto della storia che circondava, che faceva da sfondo agli eventi artistici dei quali egli si interessa a posteriori. Quindi, la figura dello storico dell'arte ha la tipica figura dello studioso. La carica militante, diciamo così, non c'è più. Per fare lo storico dell'arte non c'è una vera e propria carica che si debba avere però, appunto, essendo uno studioso, solitamente lo storico dell'arte è abbastanza vicino a quelli che sono i percorsi accademici, quindi laurea in Storia dell'Arte, specialistiche varie, ecc. Però devo dire che di queste cose più specifiche, per quanto riguarda le professioni dell'arte, quindi per esempio cosa si deve fare per diventare artista, gallerista, collezionista, storico dell'arte, di queste cose magari ne parlerò in altri video, appunto, in cui analizzerò in maniera più specifica le singole professioni o i gruppi di professioni. Un altro mestiere legato al mondo dell'arte è quello del direttore di museo.

Salve ragazzi! Oggi diretta su un tema importante ma molto lungo, che è quello delle professioni del mondo dell'arte. Quindi, proprio perché si tratta di un tema molto lungo faremo diverse puntate su questo. Il titolo che ho voluto dare a questo articolo comprende anche la frase "Parte 1" perché, appunto, il tema è vastissimo, naturalmente. Quindi, diciamo che il video di oggi è più una sorta di introduzione, una sorta quasi di elenco di quali sono le professioni nel mondo dell'arte oggi e poi magari, in qualche video successivo, andremo ad analizzare in maniera più specifica magari dei gruppi di queste professioni o alcune professioni del mondo dell'arte le approfondiremo maggiormente. Dunque, quali sono le professioni nel mondo dell'arte oggi? Innanzitutto, inizierei da quella che è la professione per eccellenza nel mondo dell'arte, che è quella dell'artista. L'artista, nel corso dei secoli potremmo dire, è stato talvolta al centro del sistema dell'arte, altre volte invece in una posizione debole all'interno del sistema dell'arte. Oggi direi che la sua posizione potremmo dire sta a metà, nel senso che la posizione dell'artista oggi nel sistema dell'arte non è debolissima, ma d'altra parte non si può dire che il sistema dell'arte contemporanea oggi sia dominato dagli artisti. Questo purtroppo, o per fortuna naturalmente, essendo io parte in causa, non posso dire che ciò sia un peccato, diciamo così, però penso che in futuro probabilmente l'artista avrà la chance, grazie ad alcune caratteristiche anche minime del sistema dell'arte contemporanea, di ritornare in posizione centrale per quanto riguarda, appunto, il sistema dell'arte contemporanea. Quindi, appunto, il primo e fondamentale mestiere, diciamo così, la prima e più importante professione legata al mondo dell'arte è quella dell'artista, quindi colui che crea le opere, colui che rifornisce il mercato. L'artista rimane comunque, appunto grazie a questa sua caratteristica fondamentale, il facitore (qualora esistesse questa parola), cioè colui che fa le opere. Avendo, appunto, questa caratteristica, l'artista rimane comunque un elemento imprescindibile nel sistema e nel mercato dell'arte. La seconda professione legata al mondo dell'arte è quella del gallerista, che è una professione fondamentale perché se l'artista è colui che produce le opere, il gallerista è colui che le rivende, è colui che fa da mediatore, potremmo dire così, tra le due fasi fondamentali, cioè quella della creazione dell'opera e quella della ricezione ed anche acquisto dell'opera stessa. Il gallerista, diciamo, è in questa posizione di mediazione tra questi due elementi, diciamo di fruitore tra artista e collezionista. Il gallerista talvolta è più orientato al mercato, e questo non è assolutamente un male, anzi è necessario per insufflare nuova linfa vitale al sistema dell'arte. Ci sono, invece, altri galleristi che magari hanno un approccio più intellettualizzato al proprio mestiere. Però, nel caso del gallerista, l'elemento, per così dire, commerciale rimane fondamentale, e in questo io assolutamente non ci vedo nulla di negativo e anzi, ripeto, questa componente commerciale è fondamentale nel lavoro del gallerista ed è fondamentale per reggere tutto il sistema dell'arte. La terza figura del mondo dell'arte è quella del collezionista. Il collezionista è colui il quale, in un certo senso, non si limita a osservare o a fruire le opere di tanto in tanto, ma la vuole possedere, la vuole con sé per tutta la vita, la vuole con sé in qualsiasi momento della sua giornata o del suo percorso. Quindi, in questo c'è anche qualcosa di poetico. Infatti, io ho molta stima, in un certo senso, di chi spende del denaro, a volte anche delle somme estremamente consistenti, non per cose futili, ma per quelli che sono alla fine dei veri propri viaggi nell'interiorità o anche delle finestre del mondo, che poi sono le opere d'arte. Quindi in questo c'è qualcosa di veramente bello, nella figura del collezionista. Per quanto riguarda l'identikit fondamentale del collezionista, la sua caratteristica fondamentale è semplice a dirsi: deve avere la giusta disponibilità economica per accedere a quelli che sono dei beni di lusso ma che potremmo addirittura definire dei beni di extra lusso, per la media del valore delle opere d'arte contemporanea. Naturalmente stiamo parlando di arte contemporanea che si vede in galleria, non stiamo parlando dei disegnino, di grafiche o di cose strane, diciamo così. Le opere che riescono a passare dalle gallerie hanno tutte poi un costo di una certa

La producción de videoarte en Colombia llegó tardíamente a finales de los años setenta, y fue en los años ochenta cuando comenzó a crecer poco antes de la llegada ‘oficial’ del arte electrónico hacia 1992. La historia de la emergencia y del desarrollo del videoarte en el país aún está por ser contada, especialmente en lo relacionado con la diversa y original producción en video análogo realizada por mujeres artistas entre los años 1978 y 1989. La conferencia ofrecerá una breve introducción a esa génesis, con énfasis en seis obras de seis mujeres: Karen Lamassonne, María Consuelo García, María Evelia Marmolejo, Margarita Becera, Omaira Abadía y Sandra Llano, quienes habiendo sido formadas en las artes tradicionales, asumieron el video como nuevo y excitante medio de experimentación y expansión de la práctica e investigación artística y conceptual.

Poi, un altro social ancora di cui vorrei brevemente parlarvi che può essere utilizzato anche dagli operatori dell'arte contemporanea è Twitter. Twitter è, diciamo, il social per eccellenza del giornalismo nazionale e internazionale. Poi, negli ultimissimi anni, è diventato anche un social a fortissima trazione politica. Diciamo che, ecco, ruota soprattutto sul mondo delle informazioni ma, d'altra parte, vi sono comunque alcuni operatori dell'arte anche su Twitter. Diciamo che, tra tutti quelli che ho citato, Twitter è quello che oggettivamente presenta meno utenti legati all'arte contemporanea, e forse anche meno utenti in generale. Ma Twitter ha…ancora una volta insisto su questo punto: Twitter ha un'utenza ancora più selezionata di quella di Linkedin. Peraltro, diciamo che gli utenti su Twitter si dividono in due sorte di "razze", diciamo così: coloro che si iscrivono e poi non lo usano per qualsiasi motivo, tra i quali motivi c'è il fatto che molta gente sostiene che non capisce come si usa bene Twitter, ma non tanto perché sia più difficile in realtà, ma perché effettivamente l'utilizzo…diciamo, Twitter, in generale, si usa in una maniera abbastanza diversa rispetto a Facebook e Instagram; d'altra parte, l'altra metà degli utenti di Twitter, invece, interagiscono moltissimo, non tanto nella messaggistica diretta, che pure esiste su Twitter, anche se è limitata però con i profili, ma le persone interagiscono molto attraverso, appunto, i famosi tweet, i commenti ai tweet, i retweet, ecc. Quindi, perché ad un artista contemporaneo potrebbe convenire, per così dire, usare anche Twitter? Perché, anche in questo caso, si andrebbe a ritrovare, l'artista, una potenziale utenza limitata ma ben selezionata. Poi, gli ultimi commenti agli ultimi social di cui vorrei accennare. TikTok, che è il social che è esploso da poco, anche se già sta affrontando dei grossi problemi perché in America non ho capito se l'hanno già bannato o lo stanno bannando. Diciamo che, però, su TikTok non saprei, su TikTok legato all'arte contemporanea. Come dire? Io penso che forse è ancora presto per sbarcare su TikTok perché, appunto, l'utenza è completamente l'opposto di quello che ho detto relativamente a Linkedin e a Tweeter, cioè l'utenza su TikTok è assolutamente non selezionata, l'età media è troppo bassa. L'arte contemporanea, diciamocelo, non è un affare per giovincelli, per ragazzini, ecc. È stato calcolato che la media del collezionista, la media mondiale dell'età del collezionista, è 56 anni, quindi evidentemente siamo…c'è una bella differenza, invece, con la media degli utenti di TikTok. Poi, invece, concludo citando due social che sono invece proprio specifici per l'arte contemporanea, per gli artisti contemporanei. Si tratta dell'italiano Celeste Network, che è un social network tra l'altro facilissimo da usare, anche perché in un certo senso ha una struttura un po' vecchiotta, diciamo così, ma è interessante. È ben selezionato, cioè ci sono solo operatori dell'arte, ed è legato al Premio Celeste, che è uno dei più importanti premi italiani per l'arte contemporanea. Poi, l'altro social, invece questo di carattere internazionale, diciamo specifico per gli artisti, è Saatchi, scritto S-A-AT -C-H-I, che prende il nome dalla galleria Saatchi, che è una delle gallerie fisiche, una delle gallerie di arte contemporanea più importanti al mondo, che mi pare sia nata a Londra ma ora è una sorta di multinazionale dell'arte, ed ha anche questa sorta di…ha creato questa sorta di social network, e-commerce, platform, che è appunto Saatchi, che ha delle componenti da social ma, d'altra parte, è votata a vendere…cioè, ti dà la possibilità di vendere le tue opere in un mercato potenzialmente internazionale. È un social che va usato sostanzialmente solo in inglese, se si vuole essere efficaci su questa piattaforma, non conviene scrivere in italiano o cose di questo genere. Però, Saatchi è, appunto, un social molto interessante per gli artisti emergenti. Quindi, io con Saatchi avrei concluso l'argomento di oggi, che era, appunto, Arte e Social Network. Questo video vale come introduzione a prossimi video nei quali parlerò in maniera più specifica di ogni piattaforma, sempre legandola all'arte contemporanea. Naturalmente, anche, vediamo quale sarà la ricezione di questo video, se vi interesserà o meno. Per esempio, adesso, gustando il mio caffè, ho potuto notare che il video sulle professioni dell'arte non vi è piaciuto particolarmente. Non è un problema, naturalmente. Quindi, dato che siamo alla fine del video, vi invito a farmi delle domande. Tra l'altro, eventualmente rapidi, veloci, sbrigatevi! Perché, appunto, sono le 5 e mezzo o, come dice qualcuno, "e menzo" e dovrei andare via perché il dovere mi chiama. Rita mi dice: "Grazie". Di che, Rita? Grazie a te che hai partecipato. Se ti va, mi chiedi qualcosa, se no ci vediamo alla prossima diretta.

Oggi, il tema che vorrei affrontare è quello relativo agli strumenti essenziali per la carriera di un artista oggi. Quali sono questi strumenti? Innanzitutto, quello che possiamo considerare lo strumento indispensabile per la carriera di un artista oggi, il primo strumento di cui vorrei parlarvi è il portfolio. Il portfolio è sostanzialmente un documento, che può essere sia virtuale che reale, che cartaceo, un documento che raccoglie le opere dell'artista e che dà anche delle informazioni essenziali sull'artista stesso, come ad esempio la biografia, il curriculum, o anche il significato delle opere. Sostanzialmente, appunto, i contenuti di un portfolio sono testi e immagini delle opere stesse. Il portfolio, come ho detto mi pare anche in un altro video, può essere (e forse dovrebbe essere) realizzato tanto in virtuale quanto in formato cartaceo. In virtuale è il formato più accettato, chiaramente in PDF, ma queste sono in un certo senso piccolezze. E poi, come ho detto nel mio penultimo video mi pare, bisogna distinguere, per quanto riguarda il portfolio, tra un portfolio bello e un portfolio efficace. Un portfolio bello, in cui magari sono stati usati dei particolari o raffinati strumenti di grafica digitale e che poi però non è detto che sia efficace per convincere un gallerista a farti fare una mostra. D'altra parte, a questo tipo di portfolio esteticamente bello ma relativamente efficace, è preferibile un portfolio meno concentrato sulle caratteristiche propriamente di grafica, che invece abbia delle caratteristiche specifiche affinché sia efficace. Sostanzialmente, un portfolio per essere efficace deve far sì che il gallerista ne sia attratto, che il gallerista non lo derubrichi subito, cioè non lo elimini subito, o che addirittura il gallerista dopo la visione di quello stesso portfolio ti accetti nella sua scuderia, cioè ti accetti tra i suoi artisti per iniziare un rapporto con la galleria stessa. Per quanto riguarda il secondo strumento fondamentale per la carriera di un artista, il secondo strumento importante per la carriera di un artista è il curriculum. Il curriculum è sostanzialmente un testo, che poi va inserito sia nel portfolio ma anche in tutte le pagine, i siti, in qualsiasi cosa, più o meno, che riguardi l'artista. Poi, non è detto che il curriculum si debba sempre presentare, ma queste sono delle informazioni un po' riservate, un po' preziose che sostanzialmente rilascio solo alle persone che fanno la consulenza, che acquistano la consulenza con me. Ma, in linea generale, il curriculum è, appunto, uno strumento fondamentale per l'artista, molto spesso va presentato e, per quanto riguarda il curriculum, il curriculum è importante come scriverlo, anche perché il modo efficace per scrivere un curriculum cambia a seconda delle caratteristiche del curriculum stesso. Quindi, le due differenze maggiori sono tra il curriculum di un artista che ha già una carriera, o anche un artista chiamiamolo "mid-career", quindi un artista di media carriera e, invece, un artista emergente. Ci sono due modi diversi per scrivere il curriculum artistico in maniera efficace in base al punto della tua crescita professionale come artista. Questi due diversi sistemi, naturalmente, influiscono sull'efficacia del tuo curriculum stesso quando lo presenti e quindi, evidentemente, questi sono degli elementi che influiscono sulla tua presentazione generale come artista. Poi, il terzo strumento fondamentale per la carriera di un artista è il cosiddetto "statement". Sostanzialmente, io lo chiamo "documento di poetica", dato che non amo utilizzare parole inglesi quando sono in contesti in cui non c'entrano nulla. Però, ormai, nel mondo dell'arte contemporanea questo tipo di documento fondamentale per l'artista si chiama, appunto, statement. Sostanzialmente, si tratta di un documento nel quale l'artista espone un po' quello che è il suo pensiero relativo, appunto, all'arte. L'artista dovrebbe esporre anche la sua cosiddetta poetica, cioè il pensiero, l'elaborazione teorica che sta dietro le proprie opere. In alcuni casi anche lo statement dà anche informazioni relative al tuo cosiddetto background, quindi alla tua formazione, scolastica o meno, anche a quelli che sono i tuoi interessi come artista, sia interessi propriamente artistici, sia interessi culturali in generale. Quindi, da un certo punto di vista è un'espansione del curriculum, da altri punti di vista è un vero e proprio quasi testamento di poetica, testamento teorico dell'artista. Ci sono alcuni galleristi che magari non ne fanno un elemento fondamentale, cioè per alcuni galleristi lo statement non è fondamentale, altri invece lo richiedono anche più del curriculum, e devo dire che sinceramente anch'io ritengo che sia un documento importante, volendo anche un documento più importante del curriculum stesso.

The work of Mexican artist Moris (Israel Meza Moreno) addresses the urgent question of how we might come to grips with the extreme violence generated in Mexico by narco-trafficking and by the Mexican state’s so-called ‘war’ against drug cartels and organized crime. For Moris, the point of entry into confronting the ‘epistemological chill’  imposed by the dehumanizing horror of narco-violence must be through analyzing its signifying representational codes. The artist engages in a set of post-conceptualist tactics that sieve the shock images of narco-violence through a rigorous procedural aesthetics intended to decrypt the concentric levels of linguistic codes on which they depend.

Il terzo punto importante è l'organizzazione del sito, l'organizzazione interna del sito. Per questo sarebbe necessario un video molto più approfondito. Magari lo faremo, vediamo. Ma, diciamo, in generale, la parte saliente, poi, di un sito di un'artista visivo (ed è questo ciò di cui ci occupiamo in queste dirette) è la sezione delle opere, la sezione delle immagini delle proprie opere. In questo caso sono due le grandi scuole di pensiero su come organizzare questa parte, cioè le immagini delle proprie opere: o inserirle tutte senza divisione, un po' a mo' di archivio (e ci sono diversi casi, ci sono anche casi di artisti famosi il cui sito è organizzato in tale maniera) oppure l'altro sistema, secondo me preferibile, è quello di distinguerlo in serie, soprattutto se l'artista in questione tratta diversi temi o utilizza diversi medium per esprimersi. Ad esempio, nel mio caso, la sezione delle opere è distinta nelle diverse serie e tematiche che io realizzo. Poi, un altro punto che è ormai fondamentale per far vivere il sito, perché il sito, una volta realizzato, se rimane lì, si lascia galleggiare il sito sul motore di ricerca senza altre azioni, sostanzialmente oggigiorno non è utilissimo. Il sito bisogna farlo vivere e inserirlo in quell'ecosistema di comunicazione sul web che oggi ogni artista dovrebbe imparare a costruire. Quindi, per connettere il quarto punto fondamentale, quello di connettere il proprio sito internet alle proprie pagine social, ai propri profili, o a qualsiasi altro codice URL o a qualsiasi altro link nel quale si parli, appunto, dell'artista, o un qualsiasi altro link che possa essere riferito a quel dato artista. Quindi, una pagina online veramente fondamentale per un sito web è la pagina dei link, dove, appunto, attraverso quella pagina, sostanzialmente facendo clic su alcuni bottoncini o su alcuni link, puoi passare da quella data pagina del tuo sito internet ai diversi profili social o a diversi link riferiti all'artista di quel sito stesso. Quindi, questo è un elemento fondamentale. Poi, un ultimo punto, che è un punto molto più complesso, è quello per cui ogni sito di artista ha sia delle costanti che delle variabili, nel senso che, appunto, la sezione delle opere, o ad esempio anche un certo tipo di impaginazione proprio del sito, è quasi ormai una costante per ogni artista. Basta visitare diversi siti di artisti contemporanei e ve ne potrete accorgere. D'altra parte, ogni sito va cucito su misura su quell'artista. Facciamo un esempio molto semplice e diretto. Il sito di un artista pop non sarà mai simile al sito di un artista concettuale. Il sito va inserito, anche dal punto di vista del linguaggio visivo del sito stesso, è sempre necessario fare riferimento a quello che è il mondo stilistico di quel dato artista, quindi ogni sito va cucito su misura sull'artista. Dunque, questi erano i punti che ritengo fondamentali per quanto riguarda, appunto, come realizzare il sito internet per un artista. Per essere aggiornati sulle mostre, su qualsiasi avvenimento, per vedere anche le mie opere se per caso vi fa piacere, seguitemi su Instagram (mi trovate come Giuseppe Alletto Artist) oppure sulla mia pagina Facebook Giuseppe Alletto Italian Artist, oppure, dato che oggi si parlava di sito per l'artista, visitate il mio sito www.giuseppeallettoitalianartist.com .

Quanto è importante per un artista contemporaneo, oggi, avere un proprio sito internet? Innanzitutto, il primo punto che vorrei affrontare è un punto semplice ma-come dire?-fondamentale, poiché interviene su quello che è una sorta di dibattito che è presente su questo tema, cioè, appunto, il sito internet per un artista. Il sito internet per un artista contemporaneo è importante sì o no? Beh, io sono assolutamente sicuro che il sito internet per un artista oggi è assolutamente importante. Sì, è assolutamente fondamentale. Ci sono dei motivi per questo, non è perché io abbia fatto un atto di fede nei confronti dei siti web. Perché il sito web è importante per l'artista contemporaneo oggi? Perché, innanzitutto, la sua presenza su internet, la presenza di un artista contemporaneo su internet, sulla rete, è fondamentale e l'unico modo per assicurare in maniera continuata la propria presenza su internet da parte di un artista è quella di avere un proprio dominio, come si suol dire, cioè avere un proprio sito web, perché tutto il resto della propria presenza su internet sostanzialmente è affidato alla presenza da parte dell'artista, da parte di noi tutti, alla nostra presenza su piattaforme terze, su piattaforme altrui. Quindi, Facebook e Instagram non sono certo di noi artisti, quindi se a qualcuno viene in mente di bannare il tuo profilo per qualsiasi motivo, ad esempio, la tua presenza su alcuni social network viene meno. Inoltre, i social network, come qualsiasi altra cosa (ma i social network un po' di più) sono destinati o a scomparire, o comunque a modificare sé stessi radicalmente. È già successo, la storia dei social network non è, poi, una storia chissà quanto decennale e sono già sorte e sono già decadute decine di piattaforme social, anche alcune importanti. Lo stesso Facebook, Instagram, Linkedin, Twitter, ecc., sicuramente si evolveranno, cambieranno, qualcuna di esse sicuramente finirà sostituita da chissà cosa. Quindi, per assicurare una presenza continua da parte dell'artista sul web è necessario avere, invece, uno spazio web che dipenda solo e soltanto dall'artista, quindi l'unica possibilità è, appunto, un sito internet. Il secondo punto fondamentale legato all'importanza di un sito internet per un artista è il posizionamento del sito stesso, cioè il sito può avere un'utilità solo se discretamente posizionato. In che senso? Nel senso che almeno quando una persona digita il tuo nome il sito web deve comparire almeno nella prima pagina. Già dalla seconda pagina in poi la forza del sito decresce la sua reale utilità perché è stato calcolato che la stragrande maggioranza delle ricerche su Google (sostanzialmente, il motore di ricerca par excellence) si forma alla seconda o addirittura alla prima pagina, cioè le persone, quando cercano una cosa, se non la trovano nella prima pagina o massimo alla seconda si fermano. Quindi, il minimo indispensabile è che il proprio sito web sia posizionato sulla prima pagina di ricerca Google, possibilmente tra i primi risultati della prima pagina. Ad esempio-questo non per merito mio, ma per merito della persona che lo ha fatto-se digitate su Google "Giuseppe Alletto" senza mettere titoli (diciamo, né "artist", né altre cose) il primo risultato di ricerca è, appunto, il mio sito. Vi invito a dare un'occhiata in generale. Quindi, il secondo punto fondamentale per quanto riguarda il sito internet per l'artista di oggi è il posizionamento sui motori di ricerca del sito stesso.

A partir del concepto de ‘lugar’, el presente artículo analiza a través de cinco apartados una serie de obras de carácter colectivo de los artistas latinoamericanos Diego Barboza, Lygia Pape y Miguel Braceli, con el fin de establecer vínculos entre el arte posutópico y sus estrategias micro-políticas para afrontar la utopía de la comunidad, ideal continuamente perseguido por el hombre, que encuentra en la Modernidad su más drástica ruptura a reflexionar.